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Un seul grain de riz

2018

24 items

Artist's statement : "I was inspired by Love, God and the journey to Marroko. The greatest act of interaction between a man and a woman on Earth is the coitus (in eastern teachings) - The creation of new life. Man is the fruit of the love of Earth and sky, spirit and matter...Child of Earth and Sky!"

In 2011 I graduated from the school of Infrastructure Engineering of Alexandreio Technological Institute of Thessaloniki. I speak fluently English and Italian.

In 2011 I graduated from the school of Infrastructure Engineering of Alexandreio Technological Institute of Thessaloniki. I speak fluently English and Italian.

In 2011 I graduated from the school of Infrastructure Engineering of Alexandreio Technological Institute of Thessaloniki. I speak fluently English and Italian.

In 2011 I graduated from the school of Infrastructure Engineering of Alexandreio Technological Institute of Thessaloniki. I speak fluently English and Italian.

Title : Sway
Technique : collage.

Title : Sway
Technique : collage.

Title : Sway
Technique : collage.

Title : Sway
Technique : collage.

Adeliya Khakimova lives and works in Shanghai, China.

Chercheur de la mer, en relation avec le Japon depuis plus de 35 ans, c’est en avril 2015 que j’ai pour la première fois pris un pinceau japonais en main pour tracer mon premier trait calligraphique. Encouragé par le professeur de l’Ecole « Ozu » de Tokyo, qui m’avait alors initié, j’ai continué à tracer des lignes en m’inspirant des caractères anciens, plus arrondis, et ceux actuels, fasciné par cette immédiateté du courant qui court entre le mental et le pinceau tenu verticalement au-dessus du papier, qui absorbe, diffuse, et retient l’encre dans sa trame. 
C’était probablement le déclic attendu, pénétré que j’étais de la peinture traditionnelle japonaise, avec des peintres géniaux comme Toyo Sesshu (1420-1506), Ito Jakuchu (1716-1800), Kawanabe Kyosai (1831-1506) et, probablement un des derniers ‘grands’ de cette lignée, Matazo Kayama (1927-2004). 
Si bien que du trait au dessin à l’encre (sumi-e), puis à l’ajout de la couleur, de l’acrylique aux pigments japonais, il n’y avait qu’un pas. 
Faire exister le vide par les contours, donner de la densité au blanc de la toile en puisant à la source d’un rapport mutuel et intime à la nature : chez les auteurs précités, et bien d’autres encore, la nature est omniprésente ; elle est mise en scène non pas à travers des ‘paysages’ mais plutôt des ‘milieux’ où les végétaux, les animaux et les hommes sont en coexistence. 
Chaque tableau est un poème (Haiku) qui exprime une saison, un gros plan sur des végétaux (l’importance des arbres), les animaux, les hommes saisis dans leur quotidien et souvent, non sans humour, dans leurs humeurs. Une communauté vivante dans leurs milieux naturels, à la ville et à la campagne. 
Ce sont ces moments structurels de l’existence, entre homme et nature, qui me touchent profondément et que je cherche à exprimer dans mon œuvre naissante, utilisant les infinies combinaisons de la peinture à l’encre (sumi-e) souvent rehaussée de couleurs qui, grâce à l’utilisation des pigments japonais, devient également un travail de la matière.
Donner à voir un moment de nature, quotidienne, fantaisiste, ou excentrique, réelle ou sublimée comme dans nos rêves mais toujours structurant, tel est le sens de ma recherche.  

Chercheur de la mer, en relation avec le Japon depuis plus de 35 ans, c’est en avril 2015 que j’ai pour la première fois pris un pinceau japonais en main pour tracer mon premier trait calligraphique. Encouragé par le professeur de l’Ecole « Ozu » de Tokyo, qui m’avait alors initié, j’ai continué à tracer des lignes en m’inspirant des caractères anciens, plus arrondis, et ceux actuels, fasciné par cette immédiateté du courant qui court entre le mental et le pinceau tenu verticalement au-dessus du papier, qui absorbe, diffuse, et retient l’encre dans sa trame. 
C’était probablement le déclic attendu, pénétré que j’étais de la peinture traditionnelle japonaise, avec des peintres géniaux comme Toyo Sesshu (1420-1506), Ito Jakuchu (1716-1800), Kawanabe Kyosai (1831-1506) et, probablement un des derniers ‘grands’ de cette lignée, Matazo Kayama (1927-2004). 
Si bien que du trait au dessin à l’encre (sumi-e), puis à l’ajout de la couleur, de l’acrylique aux pigments japonais, il n’y avait qu’un pas. 
Faire exister le vide par les contours, donner de la densité au blanc de la toile en puisant à la source d’un rapport mutuel et intime à la nature : chez les auteurs précités, et bien d’autres encore, la nature est omniprésente ; elle est mise en scène non pas à travers des ‘paysages’ mais plutôt des ‘milieux’ où les végétaux, les animaux et les hommes sont en coexistence. 
Chaque tableau est un poème (Haiku) qui exprime une saison, un gros plan sur des végétaux (l’importance des arbres), les animaux, les hommes saisis dans leur quotidien et souvent, non sans humour, dans leurs humeurs. Une communauté vivante dans leurs milieux naturels, à la ville et à la campagne. 
Ce sont ces moments structurels de l’existence, entre homme et nature, qui me touchent profondément et que je cherche à exprimer dans mon œuvre naissante, utilisant les infinies combinaisons de la peinture à l’encre (sumi-e) souvent rehaussée de couleurs qui, grâce à l’utilisation des pigments japonais, devient également un travail de la matière.
Donner à voir un moment de nature, quotidienne, fantaisiste, ou excentrique, réelle ou sublimée comme dans nos rêves mais toujours structurant, tel est le sens de ma recherche.  

Chercheur de la mer, en relation avec le Japon depuis plus de 35 ans, c’est en avril 2015 que j’ai pour la première fois pris un pinceau japonais en main pour tracer mon premier trait calligraphique. Encouragé par le professeur de l’Ecole « Ozu » de Tokyo, qui m’avait alors initié, j’ai continué à tracer des lignes en m’inspirant des caractères anciens, plus arrondis, et ceux actuels, fasciné par cette immédiateté du courant qui court entre le mental et le pinceau tenu verticalement au-dessus du papier, qui absorbe, diffuse, et retient l’encre dans sa trame. 
C’était probablement le déclic attendu, pénétré que j’étais de la peinture traditionnelle japonaise, avec des peintres géniaux comme Toyo Sesshu (1420-1506), Ito Jakuchu (1716-1800), Kawanabe Kyosai (1831-1506) et, probablement un des derniers ‘grands’ de cette lignée, Matazo Kayama (1927-2004). 
Si bien que du trait au dessin à l’encre (sumi-e), puis à l’ajout de la couleur, de l’acrylique aux pigments japonais, il n’y avait qu’un pas. 
Faire exister le vide par les contours, donner de la densité au blanc de la toile en puisant à la source d’un rapport mutuel et intime à la nature : chez les auteurs précités, et bien d’autres encore, la nature est omniprésente ; elle est mise en scène non pas à travers des ‘paysages’ mais plutôt des ‘milieux’ où les végétaux, les animaux et les hommes sont en coexistence. 
Chaque tableau est un poème (Haiku) qui exprime une saison, un gros plan sur des végétaux (l’importance des arbres), les animaux, les hommes saisis dans leur quotidien et souvent, non sans humour, dans leurs humeurs. Une communauté vivante dans leurs milieux naturels, à la ville et à la campagne. 
Ce sont ces moments structurels de l’existence, entre homme et nature, qui me touchent profondément et que je cherche à exprimer dans mon œuvre naissante, utilisant les infinies combinaisons de la peinture à l’encre (sumi-e) souvent rehaussée de couleurs qui, grâce à l’utilisation des pigments japonais, devient également un travail de la matière.
Donner à voir un moment de nature, quotidienne, fantaisiste, ou excentrique, réelle ou sublimée comme dans nos rêves mais toujours structurant, tel est le sens de ma recherche.  

Technique : Photographie couleur imprimée sur gravure taille douce, dessin encre de chine à la plume.

Technique : huile sur toile.

Technique : Travail sur parchemin, feuille d'or et pigments naturels.

Technique : Water-Colour, Acrylic, Pencil. 

Technique : Water-Colour, Acrylic, Pencil. 

Déclaration de l'Artiste :

Déclaration de l'Artiste :

Déclaration de l'Artiste : "Pour donner suite à la thématique de cette année, j’ai créé cette œuvre intitulée « L’arbre à souhait ». J’ai découvert en Inde cette légende, où le dieu Krishna aurait dérobé cet arbre mythique issu du « barattage de l’océan de lait » pour l’offrir à l’une de ses nombreuses épouses. Il en existe de nombreux à travers le pays. Les gens y inscrivent leurs vœux et l’accrochent à une branche en faisant une prière pour qu’il se réalise. J’ai créé cette œuvre à travers 3 « matières verbales » en sanskrit en alphabet devanagari. Le premier est le terme qui définit l’arbre à souhait : Kalpavriksha. Le deuxième est le mantra du dieu Krishna, Om Krishnaye Namaha. Enfin le troisième, est la syllabe sacrée, son de la création de l’Univers, Om. L’arbre en lui-même symbolise le monde matériel. Le dieu Krishna exprime la connexion à nos besoins et à notre âme avec l’esprit de création, résonnant avec la syllabe Om, l’Univers.

Déclaration de l'Artiste : "Pour donner suite à la thématique de cette année, j’ai créé cette œuvre intitulée « L’arbre à souhait ». J’ai découvert en Inde cette légende, où le dieu Krishna aurait dérobé cet arbre mythique issu du « barattage de l’océan de lait » pour l’offrir à l’une de ses nombreuses épouses. Il en existe de nombreux à travers le pays. Les gens y inscrivent leurs vœux et l’accrochent à une branche en faisant une prière pour qu’il se réalise. J’ai créé cette œuvre à travers 3 « matières verbales » en sanskrit en alphabet devanagari. Le premier est le terme qui définit l’arbre à souhait : Kalpavriksha. Le deuxième est le mantra du dieu Krishna, Om Krishnaye Namaha. Enfin le troisième, est la syllabe sacrée, son de la création de l’Univers, Om. L’arbre en lui-même symbolise le monde matériel. Le dieu Krishna exprime la connexion à nos besoins et à notre âme avec l’esprit de création, résonnant avec la syllabe Om, l’Univers.

He was born in Tallinn, Estonia in 1951. He has been active in producing art since 1972, from suprematism to realism and following his own style. 

EXPOSITION-CONCOURS D'ŒUVRES GRAPHIQUES DE PETIT FORMAT

 PARIS - 19 DÉCEMBRE 2018 / 9 JANVIER 2019

Démarche artistique

L’exposition collective 'UN SEUL GRAIN DE RIZ' propose de nous faire redécouvrir tout l'univers à travers une sélection d’œuvres d’art de petit format.

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La Galerie Metanoia

Située à Paris, à deux pas du centre Beaubourg, la galerie présente une sélection d'art contemporain qui se propose de réorienter notre regard vers le monde intérieur.

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